本书对设计史的发展提供了鲜明的分析，并给出了研究设计史领域及其方法的明确指导，对于如何在学科交叉、互相渗透的当下进行设计史研究给出了严肃而诚恳的思考，对于理解设计史领域前沿的思维方式和研究思路提供了内容充沛的背景基础。尤其难能可贵的是，本书在如何进行设计史这一问题上提供了了明确且实用的方法思路，并对这些理论与方法给出了恰当的反思。尽管短小精悍，但对于那些对社会科学、文化研究、及其相关领域感兴趣的设计专业读者将极具价值。

《图像的生与死》是一部讲述图像在西方的起源、演进和死亡的历史，同时也是一部通过分析图像及其传播手段而建立的西方思想史。
《图像的生与死》是一部跨学科研究之作，在书中，雷吉斯•德布雷第一次解释了他所创设的一门新学科：媒介学。该学科处于艺术史、技术史、宗教史等多学科的交汇之处。全书论述了西方人视角下图像从魔幻的到艺术的再到经济的演变过程，对技术革命与集体信仰对于图像所产生的影响进行了深刻分析。作者从西方哲学、宗教、艺术、科技、媒体等方面，对图像起到的作用和反作用进行了详尽又深入的解读，许多观点都闪烁着思想的光芒。

In this famous work by a pioneer in the movement to free art from the bonds of tradition -- a work long considered essential to understanding the evolution of 20th-century art -- Kandinsky explores the role of the line, point, and other key elements of non-objective painting. 127 illustrations.

二十世纪上半叶是西方艺术在思想领域最为活跃的阶段。在此之前，工业革命和资产阶级革命深刻地动摇了欧洲社会原有的权威结构。挑战权威、追求个性的尝试激励着年轻的艺术家积极地参与时代精神的建构，艺术流派的多元化和快速更迭成就了这一时期艺术发展的主要特征。经历两次世界大战，欧洲大部分国家实现了从君主立宪到共和政体的转变，但是战争的残酷也终结了艺术家对技术进步和社会进步的乐观信仰。在西方艺术史上，从未有这样一个时代，艺术家如此强调艺术的社会使命，希望用艺术改造社会，最终却被泥沙俱下的社会变革裹挟了命运。
与诸多艺术史著作相比，本书的重要贡献在于选编了与二十世纪上半叶各种艺术流派相关的二十七篇理论文献。这些文论全部出自当时的艺术家和批评家之手，其中大部分是首次有体系地被译介到中国。借助这些思想的片段，读者可以超越艺术作品和艺术史学家的分析，直面艺术家的创作理念和艺术主张。

本书是德穆兹和基弗之间从2003年春天至2009年之间的谈话集成的访谈录。这些谈话既可以单篇阅读，也可以按时间顺序来读，起点已经在某个角度上给出了方向。
他们的谈话围绕着火、水、气和土等基本元素，围绕着《旧约》和《新约》中的叙述以及在佛教思想中起核心作用的空，追踪一切过去之物的复返或轮回，追问德国的历史和欧洲的历史，对基弗关于浩劫（Shoah）的深入研究进行专题讨论——尤其是通过基弗对策兰诗歌的“回应”。因此，这本访谈录探讨了基弗的艺术哲学和神学基础，探讨了他的艺术学和文化学立场以及他的工作和世界观，引导人们根据不同的视角来考察基弗无比丰富的作品。
我们生活的时代充斥着各种关于“终结”的言说，“艺术的终结”更是无处无时不在被宣扬着。在基弗看来，艺术家乃是“一个持续的没落者。他永远得不到他想要的东西。他始终只能围着酒罐转，当他要接近酒罐时，他就像恩培多克勒那样掉进去了”。艺术面临危险，但几未没落，艺术在没落中升起。这是一个积极高调的书名。本书借助这个书名，希望在这个终结感、没落感日益增强的时代里，让我们仍然对艺术、对哲学、对生活，抱有一种向上的期待和希望。

《绘画史事》是阿拉斯在“法兰西文化”电台上为听众们准备的文化节目内容。一个致力于最严肃的艺术史研究的专家，要完成一个挑战：将倾其一生研究的精华与成果，用最平淡又最投入的语气，为广大的艺术爱好者们娓娓道来。
在法国当代的艺术史领域中，阿拉斯既可以说是一匹离经叛道的黑马，又是最具有代表性、最有才华的一个典范。他思路开阔，没有门户之见，其研究方法融合了法国社会科学方面的诸多精华与成果。他是开放与渊博的奇妙结合，深入与浅出的完美融合，体现出逻辑与直觉的高度均衡。他所研究的，是活生生的美术，从而使得他所做的学问，也是活的学问。一句话，他代表了一种新学者的理想境界。
他用一种快速的、经常是急切的语调，展示出他的清醒、知识和直觉。这种清醒、直觉与知识装备了我们。大家都情不自禁地说，一定会带着与以前不一样的眼光，迫不及待地前去看那些画：《蒙娜丽莎》、《天神报喜》、矫饰主义、弗美尔、《宫娥》、马奈、提香、“错时论”的好处与恶果、展览的条件，以及各种各样珍贵的细节。
这些故事不仅仅是关于绘画的。它们还讲述了作者的游历、寻访，如何在某些并不对外开放的地方自由来回，不易得见的画作如何被他独亲芳泽。这里有直面杰作时的激动和兴奋，也有仔细拍照后拿回家近距离把玩的快乐。

编辑推荐
阿拉斯的这部作品，无疑是我们了解西方当今艺术批评走向的入门书。而更为重要的是，在如此敏锐的眼光的激励下，在如此深入浅出、激奋人心的文风的带动下，我们忍不住要进入游戏，自已来看，而且是快乐地看。　——董强，北京大学法语系教授、博士生导师
全书集结的六篇文字，分析风格清新，重点均落在强调“看”的重要性上。这些分析也使我们对艺术史曾经研究过的作品和艺术家有了新的认识。《我们什么也没看见》的独到之处，即体现在艺术史家对历史的把握游刃有余：他能穿越几个世纪，看到当时的艺术家真正想要展示给我们的东西。　 ——Jean-Philippe Uzel,加拿大蒙特利尔魁北克大学艺术史学系教授
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内容简介
本书的作者达尼埃尔·阿拉斯（Daniel Arasswz)透过六则虚构的小帮事，以描述性的语言，对绘画作品中所谓可见的事实进行质疑。从委拉斯凯兹（Velazquez)到提香（Titien),从勃鲁盖尔（Bruegel)到丁托列托（Tintoret),作者带领我们进入一系列怎样“看”作品的视觉冒险中。书中所参考的作品都具有一个共同点，即展示绘画自身的力量。我们在为作品着迷的同进，却也懂得，绘画艺术想要昭示给我们的东西，我们其实并没有看见。我们什么也没有看见！当然，这种全然否定自然还别有深意。
达尼埃尔·阿拉斯是当今最为优秀的艺术史学家之一。他的文生动自由，语言妙趣横生，全书在轻松的氛围下探讨绘画艺术穿越世纪传达给我们的无尽知识和想象空间。

这是一部有关图画再现心理学研究的论文集，引人注目而发人深省，是作者另一部具有广泛影响的著作《艺术与错觉》的有益补充。《通过艺术的视觉发现》介绍了透视问题；关于动作、表现、手势和运动的再现问题，关于视觉图像在信息交流中的地位问题，关于再现中的真实性标准问题，贡布里希教授将一位艺术史家的洞察力与知觉心理学家严谨的研究方法紧密结合。
长久以来，《艺术与错觉》不但启发了艺术专业学生，也对科学家颇有启迪。在这部补充论文集中，作者仍旧以其清晰而热忱延续着艺术史与科学的对话。

李格尔在其不长的学术生涯中，致力于艺术科学的理论探索，卓有的建树，被当代西方艺术史学泰斗贡布里希誉为“我们学科中最富于独创性的思想家”。李格尔改变了19世纪的艺术史写作方式，他的每一部著作都为艺术中史打开了一个新的领域，被公认为是现代艺术史学史上的里程碑。以他的三本名著《风格问题》、《罗马晚期的工艺美术》和《荷兰团体肖像画》为线索，评述其主要学术思想以及与西方学术传统的联系，概括了他的理论在作为一门独立学科的艺术史的建立过程中的积极意义，并对他的著名的“艺术意志”的概念作了初步的批判。

本书基于作者多年研究古典艺术的深厚功底和现代艺术史的崭新视野，反思和挖掘长久以来西方艺术史学中被忽视的一种另类叙事——表现主义的故事。
作者强调“艺术是诗，更是美”，系统梳理一种不同于再现和体制化古典主义的艺术史学传统，从而强调“视觉”人文主义的发展线索。该书尝试在当下的学术语境和现实关切之下，直指西方艺术史学史研究和发展的薄弱环节，通过洗练和重塑这段被遮蔽的历史，确认其在图像和媒体时代所具有的人文主义和知识批判的价值与意义，评析深入，视角独特，资料丰富。

被肯尼思•克拉克描述为“我所读过的最才华横溢的艺术批评著作之一”的《艺术与错觉》，是一部有关制像的经典研究。它试图回答一个简单的问题：何以会有被称作风格的东西？这个问题也许简单，却很难回答。贡布里希教授对图画再现的心理学及历史的探索，充满睿智而包罗万象，从而引领他进入许多重要领域。在说明肖像制作远比它看起来要困难这一问题的过程中，贡布里希对许多新老看法作出了考证、质疑与再评价，那些新老观点包括模仿自然、传统的功能、抽象问题、透视的有效性，以及对表现的解释。
本书虽然出版于40多年前，至今仍不失其活力与重要性。贡布里希为理解艺术和处理复杂的观点与理论问题提供了缜密的科学发现。他对人类大脑无穷无尽的能力，对人类观看世界与制作和观看艺术时的微妙关系始终抱有探究之心。当验证各种假说时，他以他深厚的学识和与生俱来的清晰的表达能力，提出了符合科学精神的论辩。再现是艺术史最基本的问题，而《艺术与错觉》是任何对理解艺术有兴趣的人的必读书。《艺术与错觉》第六版包括最新增加的序言，作者在其中讨论了图像与符号的关键差别。

作者系日本著名学者、书法理论家,本书阐述从汉代至民国的中国书法理论发展过程。

《当代数码艺术》是介绍西方最新数码电影、图像及艺术作品的精选集，兼具批评、理论和历史的色彩。这些文章是高名潞和陈小文从二十世纪九十年代以来出版的多部重要英文数码理论文集中遴选而来。它们最初发表在这一领域最重要的英文出版物上，具有一定的代表性。它们有的侧重某一问题，有的比较宽泛，有的理论性强，甚至偏于自然科学理论，有的则偏重人文历史。读者可以从这些具有多样性的文章中发现一些非常敏锐和颇具前沿性的观点，并得到更多的启发。

罗思科的这部革命性的艺术哲学著作以艺术及艺术家的真实性立论，探讨了现代艺术世界、艺术史、神话、美、艺术家所面临的社会挑战、“美国艺术”的真实本质以及诸多相关问题的观念。本书充满哲学的思辨，同时又饱含对艺术的热情，注入了强烈艺术精神。本书的真正价值，并不在于罗思科的论证有多么充分，或者他多么连贯地证明了自己的论点；其真正价值是我们对一位艺术家的世界观获得了异常难得的理解，这种世界观通过书面语和相当具体的论证得以表达。
罗思科之子克里斯托弗·罗思科“尽可能地将这部手稿以完整可信的版本公之于众”。本书还包括其长达30页的序，他描述了这部手稿的发现过程，以及将这部手稿付诸出版的复杂而动人的际遇。序言中阐述了艺术家罗思科的相关作品范例，同样也附上了原著手稿中的复制品。克里斯托弗的序言让读者更好地理解罗思科的这一有些令人费解的经典著作。

哪些作品能被称作艺术品而哪些不能，由谁来评判？
艺术品都是艺术家独立完成的吗？
艺术家是否像人们想象中的那样特立独行？
艺术家、评论家、艺术品商人、收藏家之间有着怎么样的关系？
贝克尔的艺术社会学经典著作《艺术界》为这些问题提供了答案。
对艺术的传统分析往往局限于艺术家和艺术品，而贝克尔则以社会学之眼审视艺术，将艺术看作一种集体活动，对“艺术界”这一概念进行了丰富而精微的阐发。在贝克尔看来，艺术界通常与它试图与之划清界限的世界有着千丝万缕的联系，因此，本书的每一章都从一个略有不同的视角窥探艺术界，讨论了艺术品创作进程及其参与者之间的合作与冲突，艺术活动中的特殊惯例，新的艺术家分类，艺术与国家的关系，以及艺术的名声问题等等，展现了一幅艺术界运作与变化的生动全景图。

《先锋派理论》作者首先阐释了批判科学的概念，说明批判科学要反观科学本身，说明科学知识是在什么社会条件下生产出来的。由此转到对先锋派理论的讨论上来，指出审美范畴不是永恒的，而是社会发展一定阶段的产物，先锋派则是对这些范畴的批判。书中专门讨论了艺术自律问题。自律使艺术离开现实生活，而先锋派艺术则使艺术回到现实。最后，作者讨论了介入或我们通常所说的政治、生活与艺术相互干预问题，以及与此相关的艺术体制问题。本书是西方探讨先锋派理论影响最大的专著之一。 “就其对先锋派所作的准确而带有历史性思考的界定而言，比格尔《先锋派理论》一书的价值是怎么会计也不过分的”。

本书为作者最近五年对于法国哲学家朗西埃的艺术哲学研究的结晶。朗西埃对于审美—政治或者说艺术—政治的研究，在国际上极有影响，在哲学和当代艺术两个领域，有广泛的读者群。 全书共22万字，从“艺术之政治”、“文学之政治”、“影像之政治”、“观众的解放”、“论正在到来的新审美共同体”等五个方面阐述了艺术哲学和美学等方面的热点问题，具体内容如下： 1.艺术之政治：本章主要从审美政治与政治审美这个传统话题切入，来探讨朗西埃关于艺术是元政治这一立场：艺术大于政治；政治是发生于艺术所活动的感性领域之内的。2.文学之政治 本章会围绕朗西埃就诗歌政治、小说现实主义和工人阶级文学意识等研究来展开讨论，探讨“文学”是如何与政治连成一体，并成为新政治的催化剂和母体的。3.影像之政治 本章集中讨论朗西埃的电影理论，从他对戈达尔的近期研究入手，来探讨电影如何格式化新政治这一主题，以如何在我们时代里去拍摄正在到来的新主体比如说民工形象这一点来结束。4.观众的解放 这一章将着手朗西埃的关于“平等”的政治哲学立场对于艺术的接受美学学的意义。5.论正在到来的新审美共同体 本章主要讨论朗西埃关于我们时代的审美政治的特殊性，主要会探讨他的“感性分配”、“异感”、“共同体的集体感性”、“艺术家在正在到来的新政治共同体里将需要做什么？”等主题。

本书主要介绍了音律计算法，五度相生律，纯律，十二平均律和世界几个有影响的地方的律学简史等。另外第三次修订版，是在前次增订版的基础上，将80年代以来中外有关律学研究的新资料或新成就补充或据以修改。例如：择要来说，第六章《中国律学简史》除补充详细的有关律史资料外，加进今人对古代律学和民族乐制研究的新成就，并于该章最后加写“律学研究的新时期”一节，历述1911年至今，音乐家和学者致力于律学研究的成果和律学研究机构、教学等发展的形势等等。