“If my first album was like a film of my life, then this second one is like a cinema—or a mysterious space-time portal to parallel-universe versions of my life,” Jingfei Chen tells Apple Music. Four years after her self-titled debut, the singer-songwriter stages the drama of her second LP, 猩红 [<i>Crimson</i>], using the colour of pain, excitement and desire. With eclectic arrangements and evocative vocals, the album surfaces hidden emotions, from ambition and romantic yearning to self-doubt and stubbornness.

Often categorised as a retro artist due to her penchant for creating atmospheres that recall vintage cinema and theatre, Chen doesn’t object to that label, although nostalgia isn’t her driving force. “Speaking as a creator, I love it when something’s a classic but not outdated,” she says. “I integrate my themes, arrangements, styles and lyrics with today’s situations.” Her songs remain a treasure trove of references to art and literature, some transparent—the disco-esque “Seize the Night, My Girl”, inspired by a Tomihiko Morimi novel, or the haunting piano anthem “After Many A Summer Dies the Swan”, after Aldous Huxley's Hollywood existentialist exploration —while others require deeper dives.

The album’s subtitle, “The Truth & Fiction of A Crimson Heart”, suggests that these autobiographically inspired narratives aren’t necessarily intended to be a factual document of the artist’s life. “From the moment the writing starts, a song no longer belongs to its creator but is a joint creation with those who see and hear it,” Chen says. “It’s true that being misunderstood is the fate of any communicator, so I can totally accept that every individual will have their own version, their own understanding.”
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Below, Chen shares with Apple Music stories about the creation of the album and selected tracks.

<b>How did you arrive at the album’s colourful theme?</b>
“At first, ‘crimson’ didn’t seem capable of encompassing all of the spiritual exploration and all of the parallel universes I wanted to show. But eventually I found that the colour really suits the hidden thread that runs through the album. First of all, it nicely matches the style of the lyrics and arrangement. There’s a musical and emotional density to every song, as if each is a different crimson exclamation point. Secondly, the sense I get from the word ‘crimson’ is exactly what I want for my style: three-dimensional, synaesthetic, cinematic and contrastive. ‘Crimson’ is an expression of the album’s tone—a touch of desire, a touch of darkness, a touch of the call of hunger. I’m sort of like the colour crimson—I love a wine-dark red. It represents my aesthetic, my attitude. It’s an extension of my first album’s logo, which represents danger and desire.

“Fourthly, red is hidden in every song on the album, from the red hair in ‘The Sunset Playhouse’ and red lips in ‘Seize the Night, My Girl’ to the nostalgic feeling about a red scarf in ‘Homecoming’. The ‘Lonely Bloom in Desert’ is red in colour, there’s crimson blood in ‘After Many A Summer Dies the Swan’ and there’s three red exclamation points in ‘The Show Must Go On’ [Chinese title ‘演!演!演!’]. Also, ‘Eros of Polaroid’ has a bit of the feel of Eileen Chang’s novella <i>Red Rose, White Rose</i>.”

<b>How true to life are the album’s many self-portraits?</b>
“I’ve always been interested in acting and stage personas. In life, everyone’s playing a role they can’t set down—even when you’re alone, you’re performing the self that exists in your subconscious. Which one is the real me? What does it mean to find myself, to be myself? It’s a false dilemma most of the time, since each person’s process of finding and understanding themselves is different. I’ve always maintained that we don’t live our lives for an end goal. Sure, where my work is concerned, I’m a creator, so I’ve got to push myself to ever-greater heights. But more often in our lives, we’re living in order to experience who we are, to find out answers to inner peace and personal happiness.

“For the past two or three years, I’ve felt that limitations were breaking down around many of my personality defaults—the things that operate under inertia. Lots of things aren’t as weighty as we imagine at first. We can experience life with a more relaxed and playful mindset. Life should be richer and more colourful, more deserving of celebration, and should allow us more agency to make choices rather than be full of restrictions, stress and passivity.”

Chen recommends three of her favourite album tracks below.

<b>“Eros of Polaroid”</b>
“The inspiration for this one came from Japanese artist Nobuyoshi Araki’s photographs—not any specific shot, just that feeling of intense desire in his work that I’ve always appreciated and am pretty good at depicting. I add in lots of emotional stories. The result doesn’t come from any particular source but is a feeling, a mix of flavours. What I want is a flavour that is totally Jingfei Chen.”

<b>“The Show Must Go On”</b>
“Before I picked this song’s Chinese title, ‘演!演!演!’ [literally ‘Perform! Perform! Perform!’], I knew what it would be called in English, because of three celebrity clips I watched in the space of a few days. The actor Huang Bo was a guest on <i>U Can U BB</i>, and one of the things he said was: ‘The world is other people, but ultimately the world is yours.’ That became a key line in this song. Then on <i>Thirteen Talks</i>, when host Xu Zhiyuan was talking to historian Cho-yun Hsu, he said: ‘Faced with an uncertain world, we must go inwards and settle ourselves.’ I thought that might make for a good song. And when South Korean actor Han Ye-seul posted a video where she interviewed an elderly fashion vlogger who always wore gorgeous clothing to shoot her videos, she asked the vlogger: ‘Why do you put so much effort into it?’ And the woman responded: ‘The show must go on.’ And that’s my attitude: No matter how bleak or undesirable things may seem, we still exist in this world, so we might as well continue inwards, explore ourselves and let the show go on.”

<b>“The Narcissism Spell”</b>
“This song originated as a response to my first album, where the song ‘我的孤独认出你的孤独’ [‘My Loneliness Meets Yours’] has the line: ‘At the best age, it turns out you’ve lost the ability to love.’ This song answers with: ‘I’ll keep me for myself and love myself alone.’ The feeling is lonely and pessimistic—and that deep-down loneliness is hard to communicate. I’ve always tended to be rational, with an INTJ [introverted, intuitive, thinking and judging] personality, but in recent years I’ve become a pure FP [the feeling and perceiving personality type]. It’s an internal contradiction, but both coexist within me. I think you’ve got to find a balance point for yourself. ‘The Narcissism Spell’ is an interesting take on that. It doesn’t mean blind arrogance or egocentrism, but more a feeling of finding a place where you can be balanced.”

不若字面想像而來的趣味或激昂，告五人第三張專輯《帶你飛》的同名曲，反而是一首溫柔、令人安眠的小情歌。對於告五人來說，或許「飛」正是最適合用來形容樂團當下生涯進展的詞彙之一。乘著〈好不容易〉、〈愛的輪迴〉等戲劇主題曲面向大眾層面的傳播力，如今已闖出既有獨立樂迷同溫層的告五人，從 2017 年首發 EP《迷霧之子》以來，短短六年內就於 2023 年步上台北小巨蛋演出的成就。會選用如此溫情脈脈的睡前曲命名這張階段性的新專輯，似乎也說明了告五人在面對急速起飛的生涯狀態時，依舊在心境上保持著沉著泰然，即使將面對以往十倍的觀眾，也會繼續輸送撫平人心的力量。
《帶你飛》延續了與以陳君豪、韓立康和黃文萱為核心的製作團隊的合作，在擅寫情感細膩流變的主唱潘雲安幾乎一手包辦創作的情況下，更聚焦於關係裡的柔情與渴盼。相較於 2020 年歌曲〈在這座城市遺失了你〉都會人們追尋的愛情回憶，開篇首曲〈又到天黑〉，更像是獻給城市裡每一位努力生活的人們，回歸到個人理想的追尋或是家庭的愛。或許是因為累積了出道以來多首戲劇歌曲的創作經驗，相比前作《運氣來得若有似無》的戲謔趣味，《帶你飛》在創作主題上更傾向於抒情流行和情感敘事，比起〈愛人錯過〉這樣以朦朧美擄獲樂迷喜愛的早期情歌作品，更多了不少對於關係的實際描述。如〈遠距離戀愛〉著眼於「到底多久沒有跟你去買菜／陪你吃火鍋」這樣尋常的生活碎片，用輕盈的鼓點和編曲傳送遙地相思；而〈你所到之處 ( 就下雨 )〉及〈啊我忘了帶傘〉雙曲目也延續了生活感的主題，並融進雷雨聲響讓聽者宛若身歷其境。〈愛你我沒問題〉中愛意的堅毅與肯定，〈一念之間〉對失缺和單戀的勾畫，種種情感側寫共同構成了專輯涵蓋的愛之百態。

“只有确定自己真正是谁的时候，我们才不会惧怕外界的不确定。”
—刘柏辛
暌违三年，刘柏辛终于释出了她的第三张原创专辑《幸福星》—一个简单而有温度的题目。我们的世界正发生着巨变，而刘柏辛本人也经历了一次深刻的蜕变。她说：“以前的我，在音乐内外完全是两个人。音乐曾是我‘庇护所’一般的安全世界, 但现在它和我的现实世界终于融为一体。” 她曾在思考中困惑，命运是否早已安排一切？安全感，归属感，舒适感能否从内而发？恒久的“幸福”又在哪里呢？这一次，她再一次打破创作的边界，在广袤无际的新世界中吸取灵感，并在冥想、瑜伽、塔罗牌、东方哲学、神话和灵性修习中寻找答案。
《幸福星》是刘柏辛首次制作的正式专辑，协调了来自世界各地的优秀音乐家之间的紧密合作，并主导了词曲创作，编曲，录音和混音的每一步进程。这也是刘柏辛作为原创歌手，逐步深入幕后制作的用心尝试。为了更真实的表达、丰富的角色刻画和真切的情绪表现，刘柏辛像制作demo一般独自录制并挑选了人声素材。她说道：“我会在录制开始之前进行一个简单的冥想，尝试进入当时创作这首歌曲时的⻆色。在我看来，相比于‘扮演’一个不是自己的人，这更像是‘回归’自己的一部分。”
语言上，刘柏辛的听众们熟知她使用中英双语创作的习惯。这一次，她又融合了西班牙语和梵语，甚至还有一闪而过的约鲁巴语。此外，还有在她深度冥想状态下录制的频率语言—光之语, 以及如果算上数学语言，还要加上 3.14159……（π）。
音乐风格的多样性也是本张专辑的一大惊喜：巧妙融合看似不相关的各种音乐元素，碰撞出专辑丰富的意象，其中有Drum&Bass，Electroclash，电子朋克，深浩室舞曲，Techno，工业摇滚，新世纪音乐，世界音乐，Trapsoul，非洲节奏，合成器流行，神游舞曲和另类音乐。无论是个人成长还是音乐风格进化，《幸福星》都是一次全面的突破。用刘柏辛的话来说：“我对每张新专辑只有一个要求：找到从上一张专辑全新升级的视角和自我。”
刘柏辛曾在上一张EP《上线了》中的歌曲〈有吗炒面〉中写道“预设命运不由我选择”，而在此张专辑的单曲〈命运〉中，她写道：“Anywhere it takes me, I'll get home (无论它带我去哪里，我都会回到我的源头)”，给出了她不断寻找命运的意义的新答案—回归“自我”。在创作〈命运〉时，她受到世界音乐的启发，从构造古埃及的异域氛围开始；对她来说，埃及是一个温柔的梦乡。尽管从未在那生活，她在冥想中的图景里找到了和埃及的神秘连接。紧随的Drum&Bass亢奋节奏里，刘柏辛活力四射的人声在中、英、西三种语言之间轻盈地跳跃。她困惑却洒脱地唱道：“想要幸运永伴我左右, 短暂降临瞬间就离场。无法看清伟大的理由，以命运之名骗过我小小大脑。” 幸运总是来了又走，难以捉摸，带来短暂的惊喜后是持久的失落。她想，“命运之轮”看似随机的转动背后，是否存在永恒的幸福呢？幸福和幸运又有着什么不同的意义？
此外，专辑多处可见刘柏辛初探世界音乐的影子，尤其在歌曲〈Gaia〉、〈香缇颂〉和〈三生万物〉中。从形式到内涵，它们不失优美地呼吁着对地球母亲和全人类（亦回归自身）的爱，俨然成为了承载着古老智慧的容器。其中，借助着东方哲学（道教、佛教和古印度经文、唱诵等）带来的启发，刘柏辛再次无畏地打破了词曲、编曲与演唱的多重边界，并希望她的音乐能成为新一代年轻人和穿越千年的远古教诲之间的桥梁。
歌曲〈三生万物〉中融合的东方元素来自塔罗牌中的“女祭司”。除了歌词中出现的二元性概念，此张专辑中〈爱无限〉一曲也从概念上与〈三生万物〉形成一种看似二元的对照；“女祭司”（〈三生万物〉的灵感）代表着东方（以及太极中的阴；被动、阴柔等特质），而“魔法师”（〈爱无限〉的灵感）代表着西方（以及太极中的阳；主动、阳刚等特质）。但刘柏辛想表达更深一层的涵义，即超越二元对立的融汇：二元性是表象的，但触达本质后的世界是包罗万象的。这种多样性相交融之后的和平喜悦，既来源于，也催生出越来越多可持续发展的关系。〈爱无限〉代表着创造、灵感和显化。刘柏辛曾这样描述道：“我在创作时常常感觉自己像塔罗牌中的魔法师：敞开心扉，从更高的源头接收能量和信息，然后将其引导入音乐中。” 正如歌词所写，“圣爱与我一体, 万象皆由我造, 魔法从心而生, 我升起日月星辰”，她说：“当我意识到我所体验的一切都由我创造, 我感到内心充满无限的爱与力量，因为每一个人都是自己现实的创造者。” 刘柏辛在这两首歌中邀请了虚拟女团K/DA御用制作人Sebastien Najand，韩国女团BLACKPINK的热单词曲作者Bekuh BOOM首次合作编写，并主导了制作、编曲和词曲创作。令人血脉贲张的舞曲节奏就像电流通过身体，兼具现代与民族元素的副歌旋律穿梭其中，背景人声中还能听到近乎疯狂的重复吟唱，与听众一同体验积累灵能直至创造显化，诞生于实相的瞬间。
歌曲〈DIABLO〉在Nine Inch Nails的影响下创作而成，黑暗的工业摇滚氛围下它描绘出一个严峻却普遍的现实：受物质世界支配而感官上瘾，不能自已如同被魔鬼所囚禁。另一首歌曲〈干嘛〉则受到小众音乐元素“EA7”（曾经在俄罗斯抖音上流行）的启发，巧妙地表达了人们对“996”工作文化感到的挫败和困惑。刘柏辛谈到“EA7”时说：“我觉得这个风格特别接地气，但又特别时髦。我想为什么这两者不可以同时存在，我觉得这种曲风让我对于同时接地气又很时髦产生了一种想象。”
在歌曲〈3.14159〉中，π 暗示了时间循环的“圆周”性质：当一个循环结束时，一个新的循环开始。这也是对非二元性的一种解释：看似矛盾的力量在超越表面的冲突后形成统一。〈3.14159〉这首歌发泄出一种在百无聊赖中想要“无理取闹”的情绪，刘柏辛想：“有时生活就像π一样无理，无限又令人困惑，所以，为什么不停止尝试将一切合理化呢？” 在这样快节奏的时代下，人们也许会通过各种方式盲目地渴望与索求一时的兴奋，正如刘柏辛用近乎疯狂的语气唱着 “Get me one more pack of dopamine! (再给我一包多巴胺!）”。有时，甚至无意义的自我破坏听起来也像是一种解药：“Everybody here outside looking for violence (这里的所有人都在外面的世界寻求暴力）At least we make it fun!!! (至少我们让它变得有趣!）”。
在〈dance dance〉中，刘柏辛描绘了一个被朋友们拉到派对的社恐女孩，她在舞池中感到手足无措，想要原地消失。她的万千思绪和内心的声音到底是怎样的呢？她所压抑的情感远远丰富于她看上去的无所适从。在以上讨论的几首歌曲中，刘柏辛大胆地引入了身份危机（面对内卷和同侪压力），消费文化，“996”工作文化，以及信息茧房等热门话题；这些话题与这一代人的生活息息相关，显示了刘柏辛作为一名艺术家的敏锐洞察力和共情力。从她的个人经历出发，刘柏辛希望她的歌曲能带来一些值得回味的频率共振。
有趣的是，在这张命名为《幸福星》的专辑里，第一首完成的demo是〈Bad Dream〉。有一天晚上，刘柏辛感到 “心上压了一块石头，不吐不快；这首歌最重要的几句旋律，Intro 和副歌都是那一天晚上写的。‘Deep in a bad dream’ 也是当时直接freestyle出来的歌词。一些少女愁思。” 这首歌有一种梦幻而忧郁的Trapsoul R&B背景色；然而，伴随着她真情流露的歌声，娓娓道来中它仿佛驶过了黑夜，越过了迷雾。曾经为爱感到困惑也尝过心碎的刘柏辛现在对爱有了全新的理解。正如在〈RRR〉中，她写下了这样光芒四射的歌词：
“Omni-love, we can taste some
(全能的爱 触手可及)
Channel me, frequency, we become one
(我们互通频率 万物归一)
Le-let it get done, we can get stunned
(把愿望都放心地交给宇宙)
Come receive energy, infinite sun
(我们只需在无尽的阳光下敞开自己)”。
刘柏辛相信 “我们即是神圣的存在”；一个人可以在自己身上找到无尽的幸福。
每天早上，刘柏辛在练习瑜伽之前都会唱颂“Shanti (Pavamana) Mantra”；被平静和喜悦所洗涤，她愿歌曲〈香缇颂〉能给世界带来希望，尽管有时世界陷入嘈杂的声音之中。但刘柏辛一直相信，世界本来的样子是无限美好的。回归到本来的真实，美好油然而生；亦如她创作的态度，“为什么不趁这次表露真实的情感，不用圆滑，不用试图把它变得更好接受。我心里想的是什么样，你就听到的是什么样。”
创作的时候，她会坐在“一个舒适的房间里，穿着睡衣（必须是睡衣），喝着花草茶”；她的房间里有一只熊、两只兔子和一盏莲花形状的灯（她透露，是“一只没有穿内裤的熊, 一只牵着气球的兔子和一只没有脸的兔子”）。有一种发自心底的平静给予她勇气去表达之前有所犹豫的东西。她将这个过程描述为“完全投入，放松并享受的过程，也像不断地陷入恋爱又失恋”。房间那么小，但她面前的世界却广阔无垠地延展开来。
听这张专辑的体验就像漫步在鲜花盛开的草坪上，巧遇花开瞬间的惊喜，一个接着一个。这些时刻汇聚一起，引导着目光所及，最终形成对于内在自我凝视后的温暖拥抱。在崭新的自我觉知中，一个全新的充满希望的世界也缓缓升起。现在和刘柏辛一起开始这个神奇的旅程，尽情放松，享受，并沉浸其中吧！
Production
为此次的《幸福星》专辑，刘柏辛与全球多位极具才华的音乐家合作，包括火星电台、Sebastien Najand、Bekuh BOOM、Digitalism、Femke Weidema 和 Alex Lustig。尽管新冠疫情给日常工作带来一定困难，他们跨着多个时区竭力达到顺畅的沟通并确保紧密的合作节奏。刘柏辛说：“我写了一篇篇千字的小作文，希望解释清楚我对歌曲的灵感来源、愿景和音色上的参考，还有我对歌曲 BPM 、节奏型、器乐选择、和弦、人声旋律的粗略想法，事无巨细，具体到每个部分的唱腔的能量值等所有的一切。”
她和作曲家 Bekuh BOOM 会各自创作一些旋律并为这些旋律在歌曲中占有一席之地而“竞争”。当然，在这个火花四射的创作过程后，最终是最适合的版本获胜。刘柏辛谈到这位合作者时说：“Bekuh 是写下许多全球大热单的作者，对旋律的流行潜力有着猎豹一般的嗅觉。除此之外她也是一名歌手，她发来的demo人声都宛如天籁（毫不夸张），尤其听到一些技巧性极高的爆发高音段落时，我既为作品感到振奋，又有一丝不严肃的自惭形秽。”
刘柏辛和德国电子音乐组合 Digitalism 合作了〈3.14159〉。她说：“第一次听到Digitalism 是在健身房的椭圆机上点开 ‘2010年电子乐代表作’ 的歌单，热血沸腾的节奏和朝气蓬勃的能量从耳机里直接冲破我的天灵盖；那天，我蹬椭圆机蹬得比谁都卖力。我抑制不住去了解更多的冲动，于是我联系了 Digitalism（Jens Moelle 和 Ismail Tuefekci），邀请他们和我共同创作一首歌。他们欣然应允，然后我们愉快地开始了远程合作。当他们问我在音乐里想要什么样的状态，我说：‘阳光下奔跑’。我一直在音乐表达中较为冷淡，疏离的我终于想要打开自己的情绪，化身塔罗牌中的愚人，在悬崖上不计后果地纵身一跃。” 她不再畏惧将自己的情感暴露出来：燃烧而真实的状态。
整张专辑的混音工作则全部由多次获得格莱美奖项的行业顶尖混音师 Dave Russell，Phil Tan 和 Sebastien Najand 完成。他们与刘柏辛在后期制作期间以“一天一更新，一天一反馈”的默契节奏顺利实现了对歌曲的听觉愿景。
制作〈命运〉的过程中，刘柏辛经历了一个“意义过载的巧合”。电脑闪退，她一下子丢失了录制一整天后精心挑选留下的100条人声文件。她不得不用橙汁在深夜灌醉自己，但情绪失控过后，她意识到，这也许是“命运”的安排：“幸运离我而去，或许是因为那些丢失的人声素材无法代表我真正想要表达的。” 她不再纠结于过去，重新投入录制，并学会了随手保存 :)
现在专辑《幸福星》正式发行，它从刘柏辛的内心世界启航，驶向观众和更广阔的世界。当它标志着刘柏辛的旅途中一个篇章的结束时，一个新的篇章徐徐展开。
“接下来要去哪里？我还没有头绪。我只知道世界是无限的，而我是自由的。我将永远自由。”
—刘柏辛

在浩瀚的宇宙中，有一颗神秘的立方体行星。
这个星球上的居民都拥有厚厚的嘴唇，并且十分向往圆润的东西。
最近，环境宜人的地球成为了他们的热门旅游目的地。
他们被地球的风光吸引、对多样的文化着迷、被人类的喜怒哀乐所感染。
他们组团坐着旅行社的飞船前来，暂时性删除记忆，结束人类的一生后再回到母星。
有的看了攻略，精心设计了一路畅通的爽文剧本；
有的玩真心话大冒险输了，自觉地选择了绝地求生的艰苦剧本；
有的阴差阳错，遇到了设备故障没能成为人类；
而大多数厚嘴唇星人都无所谓，只是想去地球体验一下，因此会选择一段平凡人生；
但请放心，他们都很善良，没有恶意。
他们空手前来，结束后带走的唯一纪念品是——经历。
虽然对于长寿的厚嘴唇星人来说，地球上短暂的一生就和消消乐一样简单又快速，但是他们非常喜欢，于是赐予了该游戏一个宏大气派的名字：
混入人类计划。

脱下前作《JTW 西游记》复古 Soul 与潮流 EDM 交汇融合的华丽外袍，《梦想家》回归多种经典曲风的朴素“本源”。提及暌违多年后这张新专辑的创作初心，方大同告诉 Apple Music：“我心里清晰地知道，我要制作一张听起来自然且简约的专辑，既多样化又不复杂，既复古又与当下契合。”

探戈、灵魂乐、民谣，福音还有雷鬼，随着方大同最擅长的 R&B，在专辑中悉数呈现。多流派原汁原味，风格上又各显神通。“我最喜欢《梦想家》的地方，在于它打破了流派标签的束缚。尽管它可以归为流行音乐，但实际上它融合了多种风格，几乎完美地捕捉到了音乐表达的纯粹快乐。”由于病中不适，大部分歌曲是方大同在餐桌上用手持麦克风录制的，这也为专辑增添了一分原生的卧室感，和纯真自然的随性。

“在我的人生中这个特别的时刻，万事停滞不前，给予了我充分的时间去反思过去，认真地去思考眼前的一切和幻想着未来。《梦想家》（The Dreamer）这个名字象征着，即使面对疾病和人生的种种的挑战，我依然在这里，充满了创造的意境和满怀的梦想。”尽管 2021 到 2024 年间因病闭关，《梦想家》的创作计划也被疫情一再延宕，但方大同认为这反倒为专辑增添了几分浪漫。从 2024 年夏天开始，方大同的身体慢慢走向康复，现在的他多了一分幽默自嘲的轻松。歌词“我不是农人/我还是歌手”，既是对网传转行隐退务农的“辟谣”，也同时宣告了这位代表歌手重返音乐事业的决心。对于方大同来说，这次回归是力量和勇气的体现：“到了2022 年中期，我的健康有所改善，但恢复之路依然漫长。我突破那如困兽一般的感觉，决定着手制作一张专辑，作为这段历程的回忆录。我渴望将自己的弱势转化为力量，并创作出一张让我深感自豪的专辑。”

在专辑《梦想家》发行之际，方大同也与 Apple Music 的听众分享了每首歌的风格取向、灵感来源、审美选择，以及歌曲背后的故事。

《XZMHXDXH》
“这首俏皮的曲子围绕着一句上海方言的幽默短语展开，音乐上让人联想到 70 年代的爵士 Funk 风格，类似于 Herbie Hancock 和 Stevie Wonder 的音乐风格。Talk box、铜管乐器、Moog 贝斯、Fender Rhodes 钢琴，每个元素都为简单的主题增添了趣味和层次。这首歌就是一团欢乐。”

《江湖中人》
“这是一首结合了传统中国说唱或说书、民族乐器、打击乐器、长笛和合成器的曲子，还加入了管弦乐和合唱元素。我设想了一群各色各样的人物不约而同地汇集在一家古老的茶馆，每个人都在这首曲子中扮演着自己的角色，仿佛是一个趣怪音乐剧中的一幕。”

《GF》
“我还得感谢我的病，给予我机会写出这首歌。这是我创作的第三首歌，面对发声的限制，我最终做出了这首带有口语化、Urban 歌剧风格的作品。二十年前的我，从未想过会制作这样的一首歌曲，但现在它成了我母亲和我最喜欢的曲目之一。这是一个真实的故事，讲述了我如何最终能抽出时间去看一部经典电影的三部曲。”

《Tango》
“我在重看电影《闻香识女人》后写下了这首歌，灵感来自阿尔·帕西诺（Al Pacino）和加布里埃尔·安瓦尔（Gabrielle Anwar）著名的探戈场景。看完电影后，我花了几周的时间听了各种各样的探戈专辑，还看了一部叫《仲夏夜探戈》的精彩纪录片，这让我更好地捕捉到了这种音乐风格的精髓。出来是一首略带爵士感、融合 R&B 元素的探戈曲目。”

《才二十三》
“这首歌有其两面性。一方面，它非常个人化，携带着一定的分量与意义，反映了各种各样的挑战，包括我父亲 2023 年的离世。另一方面，它描述了人类生命的整个过程，从出生的那一刻，到最终进入另一个维度或领域。我希望这首歌在听者不同的视角与层面下，能够同时（让听众）感到生命之微观与宏观的方方面面。从我收到的反馈来看，我似乎实现了这一目标。”

《谁知爱是什么》
“中国风的旋律，搭配俏皮又带点诗意的歌词，钢琴的柔和音色，与简约舒缓的灵魂和爵士编曲相得益彰，营造出一首令人抒怀宽慰的摇篮曲，并提出了一个许多人不断在寻觅答案的问题——爱究竟是什么？”

《我不是农人》
“我从没想过自己会在专辑里做一首雷鬼风格的歌曲，结果证明我错了。这不是传统的雷鬼，但或许可以称之为 future 灵魂雷鬼。它有俏皮的铜管、怪趣的合成器、滑稽的电吉他旋律和奇特的机器人声线。最有趣的是，这首歌是基于一个真实的故事。”

《那沙漠里的水》
“这是一首带有复古风格的 R&B 曲目，一只脚踏在过去，一只脚踏在当下。我保留了 90 年代末到 21 世纪初干净简单的 R&B 编曲风格，但使用了充满活力的合成贝斯来衬托人声，赋予它一丝现代感。它让人联想到 Boyz II Men 和 Stevie Wonder。我觉得寻找所爱之人就像在沙漠中寻找绿洲一样，是一种非常生动和浪漫的比喻。”

《回留》
“这是一首带有忧郁色彩的钢琴抒情曲，在我亲戚家的客厅里录制，他们家有一架罕见的施坦威三角钢琴。虽然琴已经有些岁月，但它的质感非常适合这首歌的氛围。歌词由长期合作伙伴崔惟楷创作，他也是《三人游》的作词者。这次他再次为这首歌带来了情感深厚、充满情怀的歌词。”

《没啥好说》
“这首歌的大部分早在很多年前就已写成。当时我卡在了一个部分，不得不将它放进未完成的作品中，直到我找到方法完成它。这一次终于解决了，我认为这是我写过的歌曲中个人最喜欢的其中一首。有位朋友形容它带有 The Beatles 的味道，充满活力的新派情歌升级版。这首歌讲述了沟通的挑战，以及沟通的必要性或缺乏沟通如何影响一段关系。我听过很多人描述他们在过去的感情中成长的历程，以及这些经历如何让他们更好地了解自己的个性及自我的发现和觉悟。”

距离方大同发布双碟专辑《JTW》转眼九年，该专辑为他赢得了2017年备受瞩目的金曲年度最佳男歌手奖。自此之后，他便将注意力转向了幕后的创意项目。
最近的几年由于身体有恙而足不出户，目前虽然身体仍然在康复阶段中，方大同决定在这段时间携最新专辑《梦想家 The Dreamer》回归。这张新专辑不仅展现了他奇思妙想的音乐才华和机智，还收录了一些思考人生和爱的歌曲。他说道，「我的目标是创作一张能给人带来安慰的专辑。近年来，在世界的一片混乱中，我从生活简单瞬间、青春记忆、时光流转的反思以及那些让我觉得怪趣事物中获得启发而创作的歌曲之过程中找到了安宁」。
「这次在录制每一首歌曲前，我得在脑海中，先完成这张专辑接近百分之八十的内容。包括了歌曲的结构和绝大部分的歌词。然后，当我开始录制和编曲时，只需要填补一些空白并改进某些细节。这是我第一次以这种方式制作专辑，这对我来说既有趣，不同以往也充满挑战。我的情况也可以被领会为塞翁失马，焉知非福，在整个过程中，必须重组我的思维模式，挑战自己，如何在这个受限的状态及条件中去创作有趣又赏心愉悦的音乐作品。经过新冠的封锁及个人需要面对的健康问题的两个阶段，潜藏的创作细胞已经迫不及待，夺堤而出。我告诉自己，就创作这个专辑来纪念这段特别的生命之旅吧！」
「这个专辑在一定程度上是兼收并蓄，不拘一格的，包括瞬间的简约回归。整个专辑都是在家中制作，当身体状态允许，我就会拿起麦克风，不管窗外是否下雨，邻居是否在装修。」
曲目列表
1. **XZMHXDXH** 是一首受复古爵士电放克启发，以器乐为主导，使用了电音合成器（声码器）和颇有态度的铜管。重复出现的短语是一个经典的上海笑话，乍听之下像日语。翻译过来的幽默就是「鞋子没坏，鞋带先坏」。
2. **江湖中人** 这是一首从茶馆老板的角度创作的幽默歌曲，以神秘客人为背景，将传统中文说唱与民族乐器和西方管弦乐元素融为一体。
3. **GF** 这首宏伟的管弦乐作品，为这部史诗般的 Urban 歌剧，铺垫了一种舞台感的基调，灵感来自迈克尔·柯里昂的悲剧故事。「 从十几岁开始，在一位朋友的推荐下，我一直想看《教父》三部曲。最终在疫情期间观赏了这部作品，受到了这个故事的启发，而写下了这首歌。这首歌就像一部瑰丽壮观的歌剧，但在整个编曲中，有一些微妙的瞬间夹杂着不和谐或‘破裂’感，象征着主角内心充斥着的精神失调和混乱。」
4. **Tango** 「 在重看了《闻香识女人》这部电影后，创作了这首歌。这是一部温馨的电影，其中探戈的场景我想很多人都很熟悉。我觉得创作一首带有浓郁探戈风格的 Urban流行歌曲会很有趣。我认为这首歌的一些段落具有相当原味的探戈元素，其他部分则带有灵魂乐和爵士乐的意味。」
5. **才二十三** 这首歌反思了时间的流逝，强调了衰老的必然性和人生旅程中所学到的人生道理。「 时间不等人，随着年龄的增长，更能深入理解时间的现实与虚幻。生活给我们带来了各种各样的转折和挑战，但我认为我们的目标之一应该是以雅致得体的态度去走完生命之路。」
6. **谁知爱是什么** 「 这是一首温暖而轻悠的歌曲，思索爱是什么。即使是伟大的头脑，也发现难以理解和定义爱的真义，时至今日，我们仍试图解读她。对我来说，这首歌有点像摇篮曲或是对爱的颂歌。」
7. **我不是农人** 这首歌融合了灵魂乐意味的小号、俏皮的吉他和机器人的嗓音，融合了复古和未来的元素，呈现出一首别具一格的雷鬼风格歌曲。「受到一则以假乱真的社交媒体谣言的启发，称我放弃了音乐，转行当了农人，我将它改编成歌曲，内容彰显网络诈骗和欺骗的普遍性。」
8. **那沙漠里的水** Soulboy再次回归，带来了一首浪漫的灵魂R&B情歌，让人想起史提夫·汪达的黄金时代和Boyz II Men的R&B流畅风格。回想歌曲背后的创作过程时，他说：「这首歌的名字不期然溜进了我的脑袋，有点不寻常，又有点神秘。从那里开始，歌词自然而然地就出来了。我被找到爱就像在沙漠中找到绿洲的浪漫比喻所吸引。」
9. **回留** 这是一首温馨及带点伤感的钢琴歌曲，偏离了方大同之前专辑中典型的R&B风格。回顾它的起源，大同回忆道：「十多年前，在台湾为我的第三张和第四张专辑进行宣传之旅时，经常去一家名为”回留”的茶馆. 在繁忙的工作之余，它是一个让我身心重获和平与宁静的庇护所。茶馆独特而富有诗意的名字，成为了这首旋律的灵感来源。」 虽然喜欢这个demo，他承认之前未能将此曲纳入其他的专辑，「这首歌不太符合我早期专辑的方向。然而，我很高兴这次终于把它用上，并且与《三人游》作词者崔惟楷再次合作。我就请他就依照歌曲的名字带给他的启发和灵感去攒写歌词，就几天的时间，他就回馈了给我这首词。」
10. **没啥好说** 这首真挚感人的歌曲探索爱，及人与人之间沟通的难处与层层的复杂性，以充满怀旧感的 60 年代流行摇滚之编曲为铺垫。大同说：「 在 2008 年发行了我的专辑 《橙月》 后，我就写了这首歌的副歌，虽然当时无法完成它，但是我心底一直知道终有一天，这首歌会收录在我以后的专辑。去年，那缺失的部分到位了，我终于把旋律完成。」

魏如萱waa
2024全新专辑《珍珠刑》12.24 数位正式发行！

DISEASE 的主题是 「那天晚上手机没电所以必须享受街道」。因为这个微小的意外，发现自己对手机成瘾、对社群成瘾，并对加速到难以掌握的当代生活型态产生各种恐惧。作为鹤The Crane 第二张专辑的先行单曲，在乐器录制上耗费许多心力，希望透过类比合成器的堆叠，揣摩出八零年代初期的 Disco 声响。

《崩坏：星穹铁道》匹诺康尼主题曲《不眠之夜》正式上线，专辑由米哈游旗下纯原创音乐团队HOYO-MiX制作，收入了不同语言版本的曲目。

美秀集团成军八年终于推出了赌上乐团门面的重量级作品《美秀集团同名专辑》，当中精炼了美秀八年间最具代表性的歌曲风格，以及五位团员各自的作品，可以说是一张让世界重新认识美秀集团的名片。

心动就像碳酸。一瞬间无数的气泡从心底悄悄冒出来，轻盈地上升，旋转着闪耀。
而刹那的快乐之后，又只剩下习以为常的寂寞。残留的情绪乘着气泡挣脱液体的环绕，继续在虚无的半空中漂浮着。
每一个气泡都装着一个夜晚。每一个夜晚都装满悄无声息的心事。
满心欢喜的悸动，浅浅淡淡的忧郁，无法停留的遗憾，不能言说的爱意……也许都化作浅透的水纹，荡漾在寂静的夜空里。
只有那无尽的霓虹光影，在气泡的表面肆意折射，弥漫成属于我一个人的夜色。

夜晚天空厚厚的水汽下沉
城市吐纳着潮湿的生动
云雾间那霓虹之路
层叠浮现在高楼
人们烂漫无尽的梦
在夜风中缓缓摇曳
细落成无数浪花
如潮汐般由远而近
铺满街道与房间
我们都曾坠入混沌
在无解的自问中循环往复
被虚化 被瓦解
也在颓败的气氛中找到慰藉
而在那些有风的夜晚
想要的答案都退向远处
成为轮廓模糊的光晕
...

《那些我们互相被浪费的时间》是一张由返校日乐队独立制作，独立发行的EP。它源于第二张全长专辑创作期间留下的零零碎碎的废弃素材，乐队三人将它们加以整理，延展成四首歌曲，并录制了下来，因此同时也是第二张专辑的B-Side。这张并不能窥见我们目前音乐的动向，但可以窥见那些我们互相浪费的时间。
制作人：雷卓桦
演奏：返校日
录音室：EMD studio/Rawclaw Studio/home studio
录音：雷卓桦/易俊涛
混音：蔡婉莹(1.2.3.)/雷卓桦(4.)
母带：蔡婉莹
封面绘画：润德
歌词翻译：黄品熹

《与凤行》是由腾讯视频、新丽电视出品，邓科执导，原著作者九鹭非香任编剧，赵丽颖担任监制，赵丽颖、林更新领衔主演，辛云来、何与、李嘉琦、曾黎主演，宣璐、刘冠麟、邱心志、黄澄澄友情出演，徐海乔、董洁、宋宁峰特别出演，王伊瑶、魏子昕、李子锋、黄羿、胡丹丹、周小川、陈震特别出演的东方神话剧。
该剧改编自晋江文学城九鹭非香小说《本王在此》，讲述了灵界碧苍王沈璃（赵丽颖 饰），因逃婚受伤坠落人间，机缘巧合下偶遇下凡体验生活的最后一位上古神行止（林更新 饰），两人纵横三界，携手展开了一段强强联合、充满烟火气和磅礴之力的新神话爱情故事。
该剧由青年作曲家、音乐制作人杨秉音携秉音创声团队倾力打造全部配乐，并邀请众多实力派歌手为该剧倾情演唱歌曲。原声带由腾讯音乐娱乐集团（TME）“影音+”出品，其中收录了由杨秉音制作监督、秉音创声及多位优秀制作人共同量身定制的6首歌曲——片尾曲/山河共鉴主题曲《如初》、铭刻入骨主题曲《世世》、凤行世上主题曲《炽心》、碧海苍穹主题曲《碧苍》、俗世清梦主题曲《不知返》和插曲《两相思》，并收录了片头曲《碧苍战歌》、《引忘川》、《碧苍之名》、《神明无止》等38首精选配乐。
专辑以古典文化的国风古韵为基底，将国风、民族、电子、流行等多元风格融合，以极具想象力的音乐元素碰撞交织，同时邀请国内外顶级乐团及民乐乐手原声实录，实现东西方的创新交融，以音乐共筑一场浓墨重彩、美轮美奂的东方美学盛宴。
乐曲在音符的起伏层叠中，勾勒出《与凤行》世界中典雅的古韵之美、瑰丽的神话色彩、灵动的异域风情。一段段旋律变幻，描摹出故事中的因缘造化、爱恨贪嗔与宿命纠缠，天上人间的每一个流连身影、每一程相遇再逢，便在眼前清晰。
碧苍云起，声动三界；丝竹声声，与凤和鸣。在声影中共证挚爱情深，以情之所至，赴苍茫世间。
山河共鉴主题曲《如初》| 张碧晨
“星辰潋滟 山河共鉴 如初言”
歌曲由张碧晨演唱，邓舒月作词、周富坚作曲，杨秉音担任制作人，秉音创声制作。《如初》以神秘庄肃的敦煌色彩作引，以磅礴的弦乐铺陈，营造出众生有灵、情撼世间的恢弘壮阔氛围。歌手极具故事感与辨识性的嗓音，伴随旋律起伏，沉浸动情地演绎出刻骨铭心的浓烈情深、缠绵洒脱的诀别哀伤，以及对所爱、对使命的矢志不渝。
情一字，是对你，亦是对三界苍生。待夙愿终了尘埃落定，愿归来时，山河如初，你我如初。
铭刻入骨主题曲《世世》| 摩登兄弟刘宇宁
“共归去 愿世世只为你盘旋”
歌曲由摩登兄弟刘宇宁演唱，王晓倩、付欣作词，杨秉音作曲并担任制作人，秉音创声制作。雨色空濛、流云似梦，相望的视线氤氲动人，缘起的命运就此缠绕。从不经意的心动到抛开日月的坚定奔赴，歌手以温润缱绻的歌声，细腻温情地诠释了心绪的百转千回，唱出了生生世世的宿命感与无限眷恋。
执子之手共护世间，与子偕老朝暮相伴。千百世，念一人不倦。
凤行世上主题曲《炽心》| 希林娜依·高
“用我炽热 引一束光 点燃 世间的虚妄”
歌曲由希林娜依·高演唱，五毒毒、王晓倩作词，孙艾藜作曲，杨秉音担任制作人，秉音创声制作。明眸烈，任虚妄种种无所畏惧；凤鸣响，燃烈火无尽撼动世间。旋律的起承转合搭配歌手张力十足的嗓音，唱出一腔滚烫热血下的悸动与守望，碧苍王刚柔并济的夺目风采栩栩跃然眼前。
是百炼钢，亦有绕指柔。生来璀璨，炽心无双。
碧海苍穹主题曲《碧苍》| 李佳薇
“浴火灼热的胸膛 倾尽生命要决心抵抗”
歌曲由李佳薇演唱，花僖悦作词，袁文睿作曲，杨秉音担任制作人，秉音创声制作。歌手极具穿透力与力量感的声线，让浓烈的情绪在高亢歌声中流淌爆发，淋漓尽致地呐喊出绝境求生、浴火涅槃的坚韧与决意。
那一抹灿阳，是生之向往，亦是王的身影。银枪灼刃，誓护苍生，不负碧苍吾名。
俗世清梦主题曲《不知返》| 王赫野
“止于行 空余念 无常难参”
歌曲由王赫野演唱，申名利、付欣作词，杨秉音作曲并担任制作人，秉音创声制作。困于神明之名，难解凡人之心。歌手饱含深情地倾述着行止作为神明的不奈何与意难全，从叹息般的压抑与苦思，到爱意决堤的不顾一切，随内心的层层剥开与展露，将这段旷世之恋诉于天地。
苦水难渡，便不知返；苍生与你，偏要与共。
插曲《两相思》| 刘牧
“孤灯夜守长寥寂 夫忆妻兮父忆儿”
歌曲由刘牧演唱，杨秉音作曲并担任制作人，秉音创声制作。歌词选自宋代诗人李禺的回文诗《两相思》，诗文婉转哀伤、字字泣泪，正序读出思妻之情，倒序读出忆夫之苦。长夜孤灯等一人。在歌手满怀思念的感性嗓音中，刻骨的相思娓娓道来。
千里迢迢，望眼欲穿。盼君早日归来，也盼君相思情深如我。

苏打绿的magic moment 用这一刻，呈现玩团的原汁原味 看见二十年的创作演化 苏打绿《二十年一刻》单曲计划 第二刻：〈原汁原味〉 有没有一件事，你坚持超过二十年，依然持续着呢？玩团超过二十年的苏打绿，对音乐的初衷，是大家有目共睹的。这次《二十年一刻》的单曲计划，释出第二刻〈原汁原味〉，就是一首看得见二十年创作演化过程的作品。为了让大家感受创作的原始样貌，苏打绿不吝啬地同步释出这首歌二十年来不同阶段的demo，让所有喜欢他们的听众，感受他们二十年一刻，这难得的〈原汁原味〉。 刚开始，是由团长阿福跟主唱青峰，在大学宿舍里，一把木吉他，就这样地唱出〈原汁原味〉的前身：〈元气满载（2004 二十年前那一刻Demo）〉；从demo里，还听得出学生时代玩音乐的青涩与兴奋。到了2014年，苏打绿的六个人在练团室又将这首歌拿出来play，六个人在各自的岗位上，玩出这首〈不顾一切（2014 十年前那一刻Demo）〉，demo里听得到节拍器的声音，这是他们难得公开的练团纪录。时间到了2021年，青峰跟制作人小洋将这首歌拿出来重新编曲，改了歌名，变成〈HEY！GO！（2021 峰洋Soulmate版）〉，有趣的是，这首歌一直都没被实际发行。终于到2024年的《二十年一刻》，六个人又再次将这首歌拿出来，找了老队友小洋制作，重新编曲、混音，变成大家现在听到的〈原汁原味〉。 经过了二十年，这首歌从仅有木吉他的demo、演化至2014年乐团味十足的demo、2021年新的编曲版本、一直到2024年，苏打绿给了这首歌最完整的样貌，除了音乐，也听得见歌词上不同阶段的演变。他们，就是这么的〈原汁原味〉！将玩音乐的纯粹跟大家分享，让我们跟着苏打绿的音乐，继续放开一点、疯狂一点，感受每一天的〈原汁原味〉：） 时间表： 2004年：元气满载（二十年前那一刻Demo） 2014年：不顾一切（十年前那一刻Demo） 2021年：HEY！GO！（峰洋Soulmate版） 2024年：原汁原味（二十年一刻版） 《二十年一刻》第二刻〈原汁原味〉数位发行 苏打绿《二十年一刻》巡回演唱会 热烈欢庆中